RUIZ GUIÑAZU, Clara - Clase 4

Clase 4:

Hoy, la charla teórica que dio Wainhaus se centró en los principios de la heurística, abordando temas como la resonancia, los silencios, los ritmos y los patrones rítmicos. Se destacó cómo el diseño, al igual que en la música (dos temas que comparó mucho), siguen valores rítmicos que permanecen a lo largo del tiempo. Explicaba como interesa la interpretación personal, porque juega un papel clave, ya que el diseñador, al igual que un intérprete, se posiciona según lo que escucha, observa o quiere comunicar. Al igual que en diseño, nosotros elegimos que expresar. Por ejemplo, pensé en el diseño que hice hace poco, donde el uso de patrones visuales, funciono como ritmo en la pieza, y este unia toda la composición. Este paralelismo con la musica me ayudo a entenderlo de una manera mas fácil de acordarse.

En el proceso de resolver problemas de diseño, Wainhaus mencionó la importancia de separar los elementos cuando diferentes problemas se juntan, explicaba que generalmente cuando tenemos un problema, éste se nos mezcla con otros. Separar los elementos, nos permite abordar cada parte de manera más efectiva. Además, habló sobre la experimentación lúdica: una invitación a jugar y ver qué pasa, dejando que la creatividad fluya sin trabas impuestas.

El uso de juicios afirmativos y diferidos fue otro punto de la charla, y la combinación de metaprincipios, que son claves para avanzar en el proceso creativo. Wainhaus también destacó la importancia de disfrutar el diseño como un juego, encontrando goce en el proceso. Resaltó la influencia de las relaciones humanas, políticas y metafísicas en la resonancia del diseño, señalando que los referentes, tanto positivos como negativos, influyen profundamente en el camino creativo del diseñador.

Una vez mas, con la teórica de hoy, pude reflexionar sobre cómo el diseño es un proceso mucho más lúdico y experimental de lo que a veces creemos. El hecho de que Wainhaus lo conecte con el ritmo y la resonancia me llevó a pensar que tanto el diseño, como la música, tienen momentos de silencio y de acción que marcan un patrón único. Me quedé con la idea de que el diseñador tiene que saber interpretar no solo lo que ve, sino también lo que siente y experimenta, separando los problemas para encontrar claridad, pero permitiéndose jugar con estos para descubrir nuevas soluciones. Como podemos traducir al diseño los momentos de silencio? Eso me lleva a recordar en que importantes son los silencios en una hoja, esos vacios, hacen mucho mas que simplemente ser un agujero que falta completar en la pieza. 

Luego, fuimos a clase y en el taller, nos pidieron que organicemos las imágenes que llevamos de referentes que nos hayan influido a lo largo de la carrera (10 cada uno). Para hacerlo, primero charlamos en grupo, y cada una fue explicando por qué había elegido cada imagen y qué representaban para ella. La inspiración de cada una en la carrera, era muy distinta para todas nosotras. Nos dimos cuenta de que había muchas formas distintas de interpretarlas y categorizar nuestras elecciones. Categorizarlas nos resulto algo complicado. Pero después de un rato de pensar en cómo no hacerlo de una manera tan básica, decidimos agruparlas en tres categorías que surgieron bastante en las explicaciones que dio cada una de nosotras: 1) ¿Qué te motiva? 2) El proceso 3) El resultado. Estas categorías las conectamos con lo que hablamos la clase pasada sobre el proceso de diseño. 

Lo más interesante fue ver la variedad de estilos, desde anime y cómics hasta collage, surrealismo, fotografía y tipografía, entre otras disciplinas. No solo eran estilos los que motivaban sino tambien luces, colores, procesos, composiciones, cosas personales, libros que alguien habia leído, y mas. Igualmente, a pesar de las diferencias habia un constante: todas las elecciones reflejaban alguna parte de la identidad de cada una, nuestro espejo como diseñadoras.

Hicimos una cartulina a partir de esta reflexión y categorización que hicimos en grupo, pegando las imágenes en 3 sectores distintos según como habíamos decidido agruparlas. Todos los grupos hicieron lo mismo y al final de la colgada, se pudieron ver diversas imágenes muy distintas entre si, que quizas nunca hubiera imaginado que estarían allí colgadas, y tambien formas de clasificar estas inspiraciones muy creativas y distintas. 

Esta experiencia me hizo ver lo diferente que puede ser el proceso creativo de cada persona, y cómo lo que nos inspira puede venir de fuentes COMPLETAMENTE distintas para todos. Lo que para una puede ser una cuestión técnica, como las luces o los colores, para otra puede tener un significado más emocional o personal. Pero tambien aparecen inspiraciones meramente visuales, y otras totalmente intelectuales por ejemplo. Al categorizar las imágenes, me di cuenta de que lo que nos motiva internamente es lo que lleva al diseñador y sus diseños a ser como son. Si éste sigue estas “imágenes”, probablemente su diseño sea un lindo, un buen diseño. Será diferente a un diseño en el que el que crea tiene que hacer algo con un estilo que no acompaña su mirada del mundo, no acompaña su motivación para crear. Ademas, la forma en que cada grupo organizó sus referentes, me hizo entender que hay infinitas maneras de interpretar y clasificar las ideas, y que cada una de esas visiones tiene valor en sí misma. Cuanto se refleja mi propia motivacion en el trabajo que hago? De que manera voy a ser mas honesta con mi proceso?

Por ultimo, cerramos la clase con la pregunta de: ¿que es un referente? Algunas de las palabras que surgieron fueron: algo que admiramos, un modelo, una aspiracion, inspiracion, un motivador. Y ¿a que distancia del sujeto se pone el referente? 

Me quedo pensando en esta ultima pregunta; cuando un referente deja de ser un referente que nos influye, y empieza a ser parte de nuestra identidad? Quizas el referente esta siempre ahi, presente, latente, pero somos nosotros los diseñadores los que decidimos cuanta importancia le damos y que uso le damos como guia.

mis referentes

lamina grupal